Le travail de Sven Nykvist avec des réalisateurs comme Ingmar Bergman, Louis Malle, Andrei Tarkovsky et Woody Allen a laissé une empreinte durable dans l’histoire du cinéma.

Lors du Camerimage de cette année, American Cinematographer a présenté un hommage au légendaire directeur de la photographie avec des panélistes tels que Ed Lachman ASC, Charlotte Buus Christensen ASC, DFF, Lars Pettersson FSF, et modéré par Benjamin Bergerie.

En se concentrant sur les collaborations de Nykvist avec Ingmar Bergman, nous avons visionné plusieurs clips tandis que les panélistes ont commenté le travail de Nykvist et la façon dont il a marqué leur propre pratique de la cinématographie.

« Winter Light » où Nykvist et Bergman trouvent leur style

« Winter Light » a été un moment charnière pour Nykvist, car c’est à ce moment-là que Nykvist et Bergman ont commencé à travailler avec une vision singulière.

« C’était un tournage lourd, avec de nombreux moments d’irritation entre Ingmar et moi. Mais en même temps, nous fusionnions d’une manière étrange et pour moi, en tant que directeur de la photographie, ce film signifie sans aucun doute le tournant crucial, le moment où j’ai appris l’importance décisive de la réduction, j’ai appris à limiter toute lumière artificielle, toute lumière illogique. » – Sven Nykvist (In Reverence of Light, 1997)

Pour préparer le film, ils ont passé un après-midi à l’intérieur d’une église, prenant des photos toutes les dix minutes pour examiner comment la lumière se déplace dans l’espace. Cherchant à obtenir une « lumière sans ombre », ils ont construit un décor d’église dans le studio et Nykvist a demandé au chef décorateur de construire un toit afin qu’il ne soit pas tenté d’utiliser des plafonniers.

« C’est également à Winter Light que j’ai commencé à travailler avec la lumière indirecte… que beaucoup ont considéré comme ma signature. » – Sven Nykvist (In Reverence of Light, 1997)

Bien qu’un extrait de ce film n’ait pas été projeté (une version blue ray n’était pas disponible), je recommande vivement de regarder ce film sur un service de streaming ou sur DVD.

« Persona »: opérer pour créer une émotion

Cliquez sur ce lien pour visionner l’extrait sur YouTube

Après avoir visionné un extrait de « Persona », les panélistes ont commenté la complexité du fonctionnement de Nykvist et la façon dont Bergman et lui construisaient la tension dans le cadre.

Ed Lachman : « Sven n’avait pas peur de recourir à un zoom, et de faire des ajustements dans le plan. »

Charlotte Buus Christensen : « Et c’est bien le mot : ajustement. Mais il pourrait aussi s’agir d’une intensification. Il y a quelque chose là-dedans, quand elle se rapproche, soudain vous n’avez plus besoin de tout cet espace et il zoome. C’est comme si on se rapprochait de quelque chose. C’est tellement minimaliste, tellement simple et précis. Je pense que c’est une source d’inspiration à tous points de vue. »

BB : « Je veux amplifier ce que vous dites sur le montage avec le mouvement de la caméra. Il réglait sa caméra pour obtenir tous les plans dont Ingmar avait besoin, depuis cette seule position de caméra – et c’est merveilleux. »

EL : « Un directeur de la photographie est comme un autre acteur. Il joue et réagit. C’est ce qu’il faisait si bien, et c’est pourquoi Bergman lui faisait confiance. Sven était un autre grand acteur, et l’on ressentait les émotions de la scène à travers ses mouvements. »

« Cris et chuchotements », le gros plan intime

vidéo : l’extrait montré lors du séminaire

EL : « Nous parlions du paysage du visage. J’éclaire toujours à partir du visage et j’ai réalisé que c’est ce que faisait Sven. Il réglait le diaphragme en fonction du visage, puis il éclairait le plateau. »

CBC : « Regardez juste le premier plan large. C’est une installation très théâtrale. Vous lisez tout, comme vous le feriez sur une scène. Ce gros plan n’est pas un gros plan statique. On sent constamment la respiration de l’opérateur. Le cadre est en mouvement et vivant. Je pense que cela fait toute la différence de pouvoir tenir un gros plan comme celui-là.

Scènes d’un mariage: qu’est-ce qu’une belle cinématographie?

La conversation se déplace ensuite vers une discussion entre Benjamin B. et Charlotte Buus Christensen sur la question de savoir si la cinématographie peut être laide. Ou pire encore, une bonne cinématographie peut-elle aussi être considérée comme ennuyeuse ?

vidéo 1 : https://youtu.be/ASlNyjvq948?t=417 (6:57-13:37)

vidéo 2 : https://youtu.be/ASlNyjvq948?t=2588 (43:08-51:54)

BB :  » D’un point de vue cinématographique, on pourrait dire: quel est le problème ici ? C’est assez ordinaire. Est-ce une mauvaise cinématographie ? Est-ce moche ? Est-ce que c’est ennuyeux ? »

CBC : « Je retournerais la question. Qu’est-ce qu’une belle cinématographie ? Vous pouvez discuter de l’éclairage et dire que l’exposition est à peu près la même partout. Si je mets le film en pause, je ne regarderai pas cette image en pensant que c’est la plus extraordinaire cinématographie que j’ai jamais vue. Mais je regarde la scène et c’est tellement émouvant. C’est tellement précis. Pour moi, c’est beau, malgré le fait que ce ne soit pas l’installation d’éclairage la plus modelée. »

EL : « La beauté esthétique n’est pas nécessairement une bonne photographie. C’est le point de vue du réalisateur que nous voyons à travers la porte – comme si nous espionnions quelque chose que nous ne devrions pas entendre. Encore une fois, c’est une question de point de vue et de la façon dont vous voulez que le public vive ce qu’il voit. Si vous pouvez apporter cela au public, et ensuite trouver le contexte émotionnel de la scène pour les images, alors c’est beau.

CBC : « Il y a une autre chose à propos de ça. Quelque chose que nous devons tous constamment entraîner, c’est le rythme. Parce que c’est très simple, ce sont des gros plans, c’est le beau cadrage avec la porte, mais il y a tout un truc avec le rythme – avec le mouvement et le cadrage. Quand elle s’approche de la caméra, il fait un panoramique et un zoom. Puis la porte claque, elle réagit, et il termine le zoom juste là. On ressent tellement ce qu’elle ressent. Comprendre le rythme quand on opère est une sensation incroyable ».

Écouter les panélistes analyser l’œuvre de Sven Nykvist était fascinant. C’était un réel plaisir de revoir ces films tout en réfléchissant à l’art de la cinématographie. Malheureusement, notre temps était écoulé et avant de libérer la salle pour une autre projection, une question est venue du public : « Y a-t-il une place pour ce genre de films à l’heure des films Marvel ? »

CBC : « Il s’agit de se souvenir, de regarder et de discuter de ces films. Bien sûr qu’il y a de la place. Il s’agit juste de prendre en compte les options dont nous venons de parler, et de se concentrer sur l’histoire. Nous devons rester fidèles au scénario, à l’histoire et à nous-mêmes. »

EL : « Je pense qu’il y a différents types de cinématographie. Ce qui est en jeu, c’est le genre de film que vous désirez faire, en fin de compte. »

BB : « Cette tradition que nous tenons de Nykvist et de Bergman – tant que nous la maintenons en vie, je pense que cela nous aidera à nous remettre en question pour voir si nous pouvons faire des films plus simples, et être fidèles à l’émotion avant tout. »

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Sven Nykvist’s work with directors like Ingmar Bergman, Louis Malle, Andrei Tarkovsky and Woody Allen, has left a lasting impression on cinema history.

At this year’s Camerimage, American Cinematographer presented a tribute to the legendary cinematographer with panelists including Ed Lachman ASC, Charlotte Buus Christensen ASC, DFF, Lars Pettersson FSF, and moderated by Benjamin Bergerie.

Focusing on Nykvist’s collaborations with Ingmar Bergman, we reviewed several clips while panelists commented on Nykvist’s work and how he has marked their own practice of cinematography. 

« Winter Light »: Nykvist and Bergman find their style

Winter Light was a pivotal moment for Nykvist because this was the moment when Nykvist and Bergman began working with a singular vision.

« It was a heavy shooting, with many moments of irritation between Ingmar and me. But at the same time we were merging in a strange way and for me, as a cinematographer, this film means without a doubt the crucial turning point, the moment when I learned the decisive importance of reduction, I learned to limit all artificial light, all illogical light. » – Sven Nykvist (In Reverence of Light, 1997)

In preparation for the film, they spent an afternoon inside a church, taking pictures every ten minutes to examine how the light moves in the space. Striving for a « shadow less light » they built a church set in the studio and Nykvist asked the production designer to build a roof so he wouldn’t be tempted to use overhead lights.

« It was also at Winter Light that I began to work with indirect light… which many have considered my signature. » – Sven Nykvist (In Reverence of Light, 1997)

Although a clip of this film wasn’t screened (a blue ray version wasn’t available). I’d highly recommend watching the film on a streaming service or on DVD. 

« Persona », operating to create emotion

video: https://youtu.be/LbbnvrSUBOk?t=30

After watching a clip from Persona, the panelists commented on the complexity of Nykvist’s operating, and the way he and Bergman would build tension in the frame.

Ed Lachman: « Sven wasn’t afraid to use a zoom. He had no compulsion about using a zoom and making adjustments in the shot. »

Charlotte Buus Christensen: « And that’s the word – adjustment. But it could also be intensifying. There’s something about it, as she walks closer suddenly you don’t need all that space and he zooms in. It feels as if you close in on something. It’s so minimalistic, it’s so simple and precise. I think it’s inspirational in every way. »

BB: « I want to amplify what you’re saying about editing with camera movement. Setting the camera and saying: I’m going to get all the shots we need with that one camera position – is wonderful. »

EL: « A cinematographer is like another actor. It’s acting and reacting. That’s what they did so well and why Bergman trusted him. Sven was another great actor in the emotions of the scene that you felt through his movement. »

« Cries and Whispers », the intimate closeup

video: https://www.youtube.com/watch?v=x9SjIRyE224

EL: « We were talking about the landscape of the face. I always light from the face and I realized that’s what Sven did. He would adjust the f- stop for what the face was – and then he would light the set. »

CBC: « Just look at that first wide shot. It’s a very theatrical setup. You read everything, just like you would on a stage. That close-up [is] not a set [static] close-up. You constantly feel [Nykvist’s] breath. It’s moving and alive. I think that makes all the difference to be able to hold a close-up [like that].

« Scenes from a marriage » – what is beautiful cinematography?

video 1: https://youtu.be/ASlNyjvq948?t=417 (6:57-13:37)

video 2: https://youtu.be/ASlNyjvq948?t=2588 (43:08-51:54)

The conversation then moves towards a discussion that Benjamin B. and Charlotte Buus Christensen had about whether cinematography can be ugly. Or even worse, can good cinematography also be considered boring?

BB: « From a cinematography stand point, one could say, what’s the big deal here? This is fairly ordinary. Is this bad cinematography? Is it ugly? Is it boring? »

CBC: « I would turn it around. What is beautiful cinematography? You can discuss the lighting and say the exposure is pretty much the same all over. If I pause the film, I wouldn’t look at that image and think it’s the most extraordinary cinematography I’ve ever seen. But I watch the scene and it’s so moving. It’s so precise. To me it is beautiful, despite the fact that it isn’t the most modeled lighting set up. »

EL: « Esthetic beauty isn’t necessarily good photography. It’s the point of view of the director that we see them through the doorway – like we are eavesdropping into something we shouldn’t hear. So again, it’s about point of view and how you want the audience to experience what they’re seeing. If you can bring that to an audience, and then find the emotional context of the scene for the images, then that’s beautiful cinematography. »

CBC: « There’s another thing about this. Something that we all constantly have to train is rhythm. Because it’s very simple, it’s close ups, it’s the beautiful framing with the door, but there’s a whole thing with rhythm – with movement and operating. When she comes towards the camera, he pans and does the zoom. Then the door slams, she has a reaction, and he ends the zoom right there. You feel so much of what she’s feeling. I think to understand rhythm when you’re operating is incredible. »

Listening to the panelists analyze the work of Sven Nykvist was fascinating. It was a real pleasure to relook at these films while thinking in terms of the craft of cinematography. Unfortunately, our time was up and before clearing the room for another screening, a question came from the audience – « Is there room for these kinds of films in this time of Marvel movies? »

CBC: « It’s a matter of remembering, watching, and discussing these films. Of course there’s room. It’s just a matter of making those [types of] decisions and focusing on the story. We need to keep being loyal to the script, to the story, and to ourselves. »

EL: « Well I think there’s different kinds of filmmaking. It’s just the kinds of film you want to end up making. »

BB: « I think – this tradition we’re getting from Nykvist and Bergman – as long as we keep that alive, I think that will help us question ourselves to see if we can make simpler films, and be true to the emotion above all. »

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